Equipo de Audio Low Cost para DSLR

Escrito por | Blog, Friday Tip | Un Comentario

¿Qué equipo de audio low cost para DSLR puedo comprar? Es una de las preguntas más frecuentes en los que se inician en vídeo DSLR. Como sabéis uno de los requisitos más importantes para vídeo es la captación de audio, un mal audio nos puede tumbar un vídeo y hacer que no se entienda el mensaje que queremos enviar.

Hoy en día tenemos opciones muy económicas en el mercado que convertirán a nuestros vídeos en profesionales. Antes de hacer una clasificación de productos me gustaría explicar brevemente las formas que hay de captar el audio en DSLR:

–       Captación de audio sincronizada: El audio se capta directamente de la fuente de sonido a la cámara, mediante la entrada de minijack que poseen. Esto hace que ya tengamos el vídeo sincronizado en el momento del montaje con un sonido bastante bueno. La pega es que las DSLR tienen un rango de audio pequeño, por lo tanto el sonido no será tan rico como puede serlo de forma desincronizada. También para la realización de cortometrajes molesta bastante al operador de cámara para que este realice movimientos, ya que tendrá que estar conectado al perchista. Hay que tener en cuenta que algunos objetivos automáticos hacen ruidos que se pueden filtrar involuntariamente.

–       Captación de audio desincronizada: El audio se capta en un grabador externo. Con esta opción el audio es de más calidad, pero hace que se dependa de un técnico de sonido. Esto puede ralentizarte mucho si vas a grabar eventos o bodas. Además si no se realiza con una buena planificación y metodología, posteriormente en montaje puedes tener muchos problemas a la hora de sincronizar audio y video.

Hay que tener en cuenta que depende de cada tipo de vídeo el saber como grabaremos el audio. Pero a continuación vamos a poner una serie de productos que os ayudarán a captar el audio tanto sincronizadamente como desincronizadamente.

Micrófono Lavalier Rode
Desde 189 euros
Micrófono Lavalier Rode – Disponible en Amazon

Si estás buscando un micrófono de corbata que te permita captar el audio con máxima calidad el modelo de Rode es el más recomendable. No capta mucho ruido ambiente y el sonido es muy claro. Además te permite usar el adaptador MiCon que te permitirá usarlo tanto con la entrada 3,5mm como con la XLR.

rode lavalier mic

 

Audio-technica ATR 3350 (El más vendido)
Desde 34 euros
Audio Technica ATR3350 – Disponible en Amazon

Es un micrófono económico que está diseñado específicamente para vídeo. El ATR3350 tiene una captación de voz precisa y te permite captar el audio con una cobertura completa gracias a su omnidireccionalidad. El pack incluye accesorios útiles como el clip de corbata, pila LR44 y el protector de viento. La conexión es Jack 3,5mm.

technica atr3350

Olympus ME-15
Desde 22 euros
Micrófono Olympus ME-15 – Disponible en Amazon

Este micrófono es económico y sencillo. No requiere batería para funcionar y tiene un cable corto, por esta razón no lo acabo de recomendar para captar el audio directamente a cámara. No obstante tiene muy buenas críticas si se usa con un capturador de audio Zoom o Tascam.

olympus me-15

Rode Videomic (el más vendido)
Desde 89 Euros
Rode VideoMic Rycote – Disponible en Amazon

Uno de los micrófonos low cost que más recomiendo para adaptarlo a la zapata de la cámara de tu DSLR. Se integra perfectamente en cualquier cámara, es ligero y fácil de usar. Además tienes gran cantidad de accesorios con los que complementarlo como perchas, alargues, trípodes, etc. En post anteriores ya hemos hablado de él. Sin duda, para mí, es uno de mis accesorios indispensables.

RodeVideoMic

Sengu Mic-SG108
Desde 24 euros
Shengu Sg-108 – Disponible en Amazon

Micrófono low cost de cañón. El sonido es aceptable por el precio que tiene. Mejorará el sonido, respecto al integrado de la cámara. No obstante, a pesar de la diferencia tan alta de precio entre en Sengu y el Rode recomiendo Rode.  No obstante, hay que decir que Sengu es una muy buena opción para todos aquellos amateurs que quieren comenzar en el mundo del vídeo.

Sengu Mic-SG108

Zoom H1
Desde 100 euros
Grabador de audio externo de pequeñas dimensiones que te permite grabar desincronizadamente el audio. Tiene una entrada de micrófono externo 1/8” además de una salida de auriculares para monitorizar la grabación. Puedes controlar los niveles de audio de forma manual o automática, además viene con una esponja anti-viento y un filtro anti-ruido. Lo mejor de estos grabadores externos es que sin necesidad de acoplarle un micrófono captan el audio con muy buena calidad. Por su bajo coste es uno de los grabadores portátiles más vendidos para indyfilmmakers.

zoom h1

Tascam DR-05
Desde 95 euros
Tascam DR-05 – Disponible en Amazon

Tiene el mismo precio que el Zoom H1 pero las críticas lo recomiendan mucho más. Es menos comercial que los zoom, no obstante los controles manuales son mucho más completos respecto al H1. También posee entrada de 1/8” y salida de auriculares.

Tascam DR-05

Zoom H4n
Desde 244 euros
Zoom H4N – Disponible en Amazon

El Zoom H4n es más caro que el Zoom H1 y que el Tascam, no obstante ya entramos en un modelo semiprofesional.  Esto se debe a que en el H4n ya podemos acoplar microfonía profesional mediante sus entradas XLR. Es un modelo un poco más complejo que los anteriores, pero si tienes en mente trabajar junto a técnicos de sonido es mejor que inviertas un poco más en el Zoom H4N.

Zoom H4n

Conclusión

Recordar que el audio en vídeo es uno de los factores más importantes y que es imprescindible cuidarlo, ya que influirá en el producto final. Antes de grabar pensar bien como realizaréis la captura de audio, se debe planificar con antelación e ir preparados para cualquier imprevisto. Por poco precio podemos tener micrófonos que cambiarán completamente el look de nuestros vídeos y les darán un toque más profesional.

Las mejores cámaras mirrorless para vídeo de 2014

Escrito por | Blog, Friday Tip | Sin Comentarios

Las cámaras mirrorless para vídeo son la combinación perfecta entre las cámaras compactas y las DSLR, ya que poseen el tamaño reducido y la ligereza de las cámaras compactas con el sensor y la fexibilidad de los objetivos intercambiables de las DSLR.  Por esta razón las cámaras mirrorless son, hoy en día, el mayor campo de crecimiento del mercado audiovisual y una de las áreas donde la innovación y la mejora de especificaciones avanza más rápidamente.

Al examinar las cámaras mirrorless nos damos cuenta de que generalmente se pierden especificaciones respecto a las DSLR. Mientras que las cámaras DSLR tienen un visor óptico que hace posible ver en circunstancias de poca luz y de mucha luz, las cámaras mirrorless solo ofrecen la posibilidad de contemplar la imagen con una pantalla LCD.  También hay que comentar que las cámaras mirrorless poseen menos opciones de control en el cuerpo de la cámara, derivando algunos controles al menú interno.

No obstante, los últimos modelos que han aparecido de cámaras mirrorles están encontrando un hueco entre los usuarios más avanzados gracias a la implementación de mejoras tanto en ergonomía como en funcionalidad. Además su ligereza y su tamaño pequeño hacen que sean cámaras perfectas para la ciudad ya que son mucho más discretas y portables que las DSLR. Por eso recomiendo las cámaras mirrorless a youtubers y documentalistas.

Aquí tenéis las mejores cámaras mirrorles de este año tanto para novatos como para pros:

Olympus E-PM2: La económica

Desde 399
Olympus E-PM2 – Disponible en Amazon

olympus e-pm2Este modelo de cámara de Olympus es muy compacto, ligero y sobretodo económico. La montura es conocida como micro cuatro-tercios y hace unas fotos a 16 megapixels. Normalmente el pack incluye dos objetivos (14-42mm y un 40-150mm).  Además la cámara posee un estabilizador de movimiento que ayuda a grabar en condiciones de poca luz, o con un zoom largo.

La Olympus E-PM2 funciona toda a través de un menú de manejo, no posee botones ni diales. Esto es muy recomendable para todos aquellos que no posean los conocimientos básicos de fotografía ni vídeo, ya que podrán ir probando opciones de forma intuituva. El tamaño del vídeo alcanza el FullHD a 30fps y se le pueden aplicar filtros y otros ajustes como enfoque, abertura, balance de blancos, limitar ruido exterior o habilitar y deshabilitar micrófono.

Samsung NX300: Para youtubers

Desde 460 euros
Samsung NX300 – Disponible en Amazon

samsung nx300

La NX300 posee 20,3 megapixels, con los que captaremos imágenes muy coloridas y utiliza una tecnología de detección de autofoco para competir con las DSLR. Tiene una pantalla de 3,3 AMOLED y abatible 180 grados, con la que nos podremos hacer incluso selfies (factor muy interesante para youtubers). Con tres opciones para acceder a los ajustes de la cámara, la NX300 ofrece un rápido manejo para cualquier tipo de usuario. Además tiene tres opciones de color, con acabados blancos, marrones y negros.

Si compras la cámara con el kit del objetivo asegúrate de que es el 18-55mm estabilizado ( y no el 20-50mm no estabilizado). Esta opción es un poco más cara pero hay una gran diferencia de calidad entre ambos.

Sony Alpha A7: La profesional

Desde 1628 euros
Sony Alpha A7 – Disponible en Amazon

sony alpha a7

Con la Sony Alpha A7 entramos en una gama alta de cámaras mirrorless, la cual te ofrece unas prestaciones muy buenas. Empezamos diciendo que la cámara tiene 24,3 megapixels y un visor OLED en una cámara que se publicita como “la cámara full frame más ligera del mundo”. El sensor full frame tiene el mismo tamaño que las películas de 35mm, eso hace que en condiciones de menos luz se consigan imágenes más nítidas y con menos ruido, alcanzando una calidad superior respecto a otras cámaras con sensores más pequeños.

La A7 también ofrece una gran variedad de controles manuales y diales haciendo su uso más rápido y parecido a las cámaras réflex. Los diales frontales y posteriores te permiten cambiar la velocidad y la obertura de diafragma con una sola mano. Además la A7 es compatible con toda la gama de monturas E-mount.

La A7 es una alternativa profesional para todos aquellos filmmakers y fotógrafos que buscan una calidad profesional en sus proyectos sin tener que acarrear con todo el peso de una DSLR.

EOS M: La opción de Canon

Desde 416.10 euros
Canon EOS M – Disponible en Amazon

eos m

Si posees una amplia gama de objetivos Canon, la EOS M es la cámara más fácil para la transición a las mirrorless. La EOS M usa una montura propia (M Mount) la cual solo soporta tres objetivos (incluído el 18-55mm). Pero Canon ofrece un adaptador de 140 euros el cual te permite usar muchos de los objetivos de la EFS-series, diseñados para DSLR.

Con el adaptador las prestaciones del objetivo se mantienen, por ejemplo la estabilización de imagen o la distancia focal. No obstante, la EOS M es un poco lenta enfocando, al añadirle el adaptador ralentiza aún más el enfoque. Canon se ha comprometido a sacar al mercado un segundo modelo llamado EOS M2, que mejorará las prestaciones de enfoque, no obstante, actualmente este modelo solo se encuentra disponible en Japón.

Black Magic Pocket cinema camera: La cinematográfica

Desde 985 euros
Blackmagic Design Pocket Cinema Camera MFT- Disponible en Amazon

blackmagic cinema cameraDe esta cámara ya hemos hablado en post anteriores. Pero me gustaría recordar que es una cámara mirrorless ligera, que simula una 16mm cinematográfica. Si quieres rodar video en calidad profesional desde luego es tu cámara. No obstante ten en cuenta que necesitarás equipamiento profesional. Esta cámara viene con la mayoría de prestaciones que usan los profesionales del vídeo: calidad muy alta de imagen, high-bit-rate en grabación de video, rango dinámico amplio (grabación en RAW) y puede grabar en ProRes y CinemaDNG ambos formatos de vídeo que se usan en sistemas de vídeo profesionales. Hay que tener en cuenta que la Pocket Cinema Camara usa una montura micro cuatro tercios (igual que la Olympus E-PM2), lo cual significa que puedes usar objetivos Olympus y Panasonic.

Todo esto la hace muy atractiva para todos aquellos a los que nos gusta el look profesional en los vídeos. No obstante, la única pega es que solo graba vídeo y no se puede emplear para imagen fija.

Panasonic GH4: La primera 4k

Desde 1650 euros
Panasonic Lumix GH4 kit 14-140 – Disponible en Amazon

Panasonic GH4

Es conocido que el próximo gran paso en el mundo del vídeo es el 4k, que incrementa la resolución del HD cuatro veces. La Panasonic GH4 es un punto de inflexión en el vídeo con DSLR ya que es la primera que por un precio económico te da la opción grabar en 4K (4096px x 2160px) o en Ultra HD (3840px x 2160px) que es la resolución que las televisiones 4K usan a 24fps para las películas. También puedes rodar en UltraHD a 30fps y 60fps, y en FullHD a 24fps, 30fps y 60fps.

Para la Panasonic GH4 podemos encontrar una gran variedad de objetivos y complementos, por ejemplo, actualmente Panasonic vende un adaptador que da a la cámara prestaciones avanzadas de vídeo (doble entrada XLR para audio, etc.).

Conclusión

Las cámaras mirrorless están pisando fuerte en el mercado por su ligereza y comodidad.  Son manejables y de alta calidad de imagen. Si eres youtuber, documentalista o simplemente eres de los que quieres llevar siempre una cámara encima, las cámaras mirrorless son tu opción ideal.

Filtros para DSLR vídeos

Escrito por | Blog, Friday Tip | Un Comentario

¿Qué filtros para DSLR debo comprar para hacer vídeos?

Esta pregunta es una de las más repetidas por los seguidores de Brauni. Lo cierto es que los filtros son un elemento económico que nos ayudará a conseguir una imagen mas realista y de mejor calidad. Por esa razón no deben faltar una amplia gama de filtros en la mochila de un auténtico #indyfilmmaker y de un fotógrafo.

Para seleccionar idóneamente los filtros que necesitas primero hay que analizar qué tipo de fotografías realizas, qué tipo de objetivos utilizas, tu presupuesto y tu habilidad con los software de postproducción de imagen, ya que según esas respuesta deberás adquirir unos filtros u otros.

En Brauni usamos todos los tipos de filtros que hay, ya que estos requieren poca inversión y ayudan a mejorar la calidad final considerablemente.

Filtros Polarizados

Precio desde 16 euros
67mm Filtro Foto/Vídeo de Polarizador Circular – Disponible en Amazon

Voy a transcribir la descripción de la Wikipedia sobre filtros polarizados:

Un filtro polarizador o polarizador es un material con transmitancia selectiva a una determinada dirección de oscilación del campo eléctrico de una onda electromagnética como la luz. Por lo general se trata de una película polimérica a base de Iodo estirada y emparedada entre dos vidrios.

filtro polarizado

Voy a intentar traducir esto a un idioma más simple. Digamos que los filtros polarizados cambian como la cámara recibe la luz sin deformar la realidad. Es decir, con un filtro polarizado podréis ver un cambio en la percepción de los reflejos, del brillo y de algunos colores. A efectos prácticos con un filtro polarizado conseguiremos cielos más azules,  y ayuda a quitar los reflejos sobre el agua y el cristal.

Agradeceréis tener un filtro polarizado si tenéis que grabar por ejemplo a gente con gafas ya que si no lo usarais saldrías reflejados. O por ejemplo si tenéis que grabar a través de un cristal. Como suelo decir las lentes polarizadas son buenas amigas y hay que llevarlas siempre encima.

Fotografía de Travis miembro de www.photography.ca

 

Filtros UV

Precio desde 7 euros
Hama filtro UV – Disponible en Amazon

filtro UVHoy en día el principal uso que se le aplica a los filtros UV es la protección de la lente. Los filtros UV están formados por círculos de cristal completamente transparentes que no alteran apenas (por no decir que no alteran nada) la imagen final. La mayor parte de los fotógrafos las llevan por su bajo coste, y su alto nivel de protección. Los objetivos no son baratos y cualquier descuido puede hacer que se “pique” o se “raye” el cristal del objetivo (una pequeña caída, un pequeño roce, etc).

Imaginaros por ejemplo estar rodando una persecución de coches y que de la rueda salta una piedrecita que impacta directamente contra el objetivo (True Story). Sería una situación dramática si no llevarais un filtro UV.

Al comprar un filtro UV ir con ojo, intentad comprar filtros UV de alta gama para vuestros objetivos más caros, ya que la calidad varia bastante.

 

Filtros degradados de densidad neutra (ND)

Precio desde 40 euros
Filtro degradado ND – Disponible en Amazon

filtro neutro degradado

Si quieres grabar planos con un cielo repleto de nubes necesitarás, con toda probabilidad, un filtro degradado. Seguramente te has encontrado muchas veces con cielos azules y repletos de nubes con los que sabes que si tu personaje saliera con ese fondo tu plano aumentaría exponencialmente de calidad. No obstante,  en la mayoría de ocasiones queremos que nuestro personaje salga con la exposición correcta, factor que provoca que el cielo salga sobreexpuesto.

Pues bien, para solucionar este tipo de dicotomías tenemos la posibilidad de usar los filtros degradados.

Los filtros degradados se componen de dos partes, la parte superior que oscurece el cielo y la parte inferior que no altera la exposición. Un filtro degradado de densidad neutra puede cerrar hasta en 3 puntos la entrada de luz.

Normalmente, para usar este tipo de filtros se necesita un slot especial para montarlos que se coloca en el cristal del objetivo.

Os recomiendo fervientemente que lo compréis si hacéis reportajes de naturaleza y/o bodas.

Fotografía por Darron Birgenheier

Fotografía con filtro degradado ND por Darron Birgenheier

 

Filtros de densidad neutra (ND)

Desde 12 euros
Filtro ND – Disponible en Amazon
filtro ND

Los filtros de  densidad neutra son súper importantes en vídeo y muy poco importantes en fotografía. Estos filtros no alteran el color pero si la exposición, oscurecen la imagen, normalmente hasta en 3 puntos de luz.

 

Para entender porque son tan importantes en vídeo hay que comenzar hablando del desenfoque de movimiento. Al ver una imagen en movimiento hay un desenfoque propio que es el que tenemos mentalmente catalogado como “imagen cinematográfica”. Es decir, una de las razones por las que vemos una imagen mas cinematográfica que otra, es en parte por el desenfoque que muestran los objetos al moverse.

 

Digamos que la norma (me gusta recordar que las normas están para saltárselas) dice que la obturación hay que ponerla al doble de los fotogramas a los que se registra. Es decir si grabamos a 25 fps, la obturación debiera estar a 1/50 para conseguir una imagen cinematográfica. Si grabáramos a 30 fps, el obturador debiera estar a 1/60.

 

Por lo tanto, para rodar un cortometraje con look cinematográfico, no podríamos tocar la obturación. Así que dependeríamos exclusivamente del ISO y del diafragma para jugar con la luz y la profundidad de campo. Sin filtros neutros lo pasaríamos realmente mal para conseguir la profundidad de campo deseada. Os pongo un caso práctico y extremo:

 

Imaginaros que tenemos que grabar un cortometraje a las 12 del mediodía de verano y queremos un plano con poca profundidad de campo (un look muy cinematográfico). La ISO la bajaríamos a 100 y el diafragma estaría bastante cerrado. Si quisiéramos desenfocar levemente el fondo seria imposible. En esos casos es cuando se utilizan los filtros neutros.

Para tener un buen equipo de rodaje, recomiendo que probéis diferentes filtros. Son unos elementos relativamente económicos y que os ayudarán a conseguir unos resultados más espectaculares en vuestros trabajos. Esperamos que este post os haya servido como introducción a este mundillo y os ayude a tener una idea aproximada de qué son y para qué sirven cada tipo de filtro.

Entrevista Álex Lora: Como llevar tu cortometraje del papel al éxito

Escrito por | Blog, Entrevistas | Sin Comentarios

Álex Lora se ha presentado en los festivales más importantes (Sundance, Cannes y Berlinale, entre otros) y ha ganado el premio Gaudí 2014 al mejor cortometraje con Godka Cirka.

Álex Lora es un auténtico #indyfilmmaker, de aquellos que nos gustan en Brauni. Sus películas muestran auténtica esencia indy, pocos medios, ideas excepcionales y resolución técnica brillante. Para que conozcáis un poquito más sobre él, es un joven director Barcelonés que actualmente reside en Nueva York, donde estudió dirección en la City University gracias a una beca Fulbright. Sus trabajos le han permitido participar en más de 350 festivales con los que ha conseguido más de 100 premios. Entre sus obras más destacadas podemos encontrar Godka Cirka, Only Solomon Lee, Us, Odysseus’ Gambit y (En)terrados.

Alex Lora dirigiendo only solomon lee

Entrevista

Buenos días Alex, antes de nada felicitarte por el premio Gaudí al mejor cortometraje, un auténtico reconocimiento a nivel nacional. La primera pregunta que me gustaría realizarte es precisamente sobre el cine y cortometrajes nacionales.

1.      ¿Por qué el cine y cortometrajes españoles se ven tan diferentes a los estadounidenses? ¿Qué grandes diferencias has encontrado entre la forma de trabajar de EEUU y las de España?

Gracias por la felicitación, la verdad es que el Gaudí llega en el año más inesperado porque precisamente esta edición tenía como finalistas otros grandes trabajos que se lo merecían tanto y más, pero bueno, al final a la tercera ha sido la vencida para nosotros, así que muy contentos.

Sobre las diferencias entre el cine -y bueno, los cortometrajes- estadounidenses y españoles pues te diría que más allá de los debates presupuestarios se encuentran buenos trabajos en ambos sitios, cada uno en su forma y relativizando todas las cuestiones, porque incluso a nivel de presupuesto en España encontramos algunas superproducciones cortas que superan en calidad no solo a muchos cortos estadounidenses, si no ya a muchas películas de nuestro país. Se me ocurren ahora cortos como Aquel no era yo de Esteban Crespo, nominado este año a los Oscars, Voice Over de Martín Rosete o -aunque más antiguo- Yanindara de Lluis Quilez. Lo cierto es que las diferencias entre el corto estadounidense y ‘el nuestro’ son muy debatibles y al final todo depende del talento y la mirada. Te sorprenderías de la de trabajos totalmente desastrosos que he visto aquí en Nueva York, con poco criterio, muy huecos y sin autenticidad, pero bueno, al menos lo han probado, lo cual siempre tiene su mérito. Aún así algunos cortos de guerrilla y presupuesto cero de nuestro país les superan en todos los aspectos. Tampoco hay que olvidarse de los españoles que actualmente han emigrado a Estados Unidos por la crisis y que han intentado encontrar un balance entre lo bueno de ambos sitios, con cortos como los de Carles Torrens, Alexis Morante, Javi Loarte, Felipe Vara de Rey, Susana Casares… en este caso las fronteras se diluyen y todo se vuelve aún más relativo. Visto así yo incluso te diría que el cortometraje español, pese al poco o nulo cuidado que le procuran las intituciones culturales que nos representan, goza de buena salud y reputación a nivel internacional, sobre todo en cuanto a talento. En todos los festivales importantes verás que casi cada año hay presencia española: Sundance, Tribeca, Berlín, Cannes, Venezia, Clermont-Ferrand, por no nombrar la de cantidad de cortos ibéricos que hay en el circuito de los llamados festivales de clase B que siguen siendo muy prestigiosos. En este sentido el trabajo de las distribuidoras como Marvin&Wayne, Mailuki, Freak, Kimuak en el País Vasco o la respuesta desde Barcelona con CatalanFilms, por ejemplo, pues ayudan mucho por el contacto directo que mantienen con los programadores. Luego sí que es cierto que la manera en la que se llega a estos festivales pues, en ocasiones es comparable –y dado que hoy en día si no se habla en términos futbolísticos hay una mayoría que no nos entiende-, a ver al Alcorcón jugando la final de la Champions, y es ahí donde está el talento, que bajo mi punto de vista tiene que ver con la mirada de cada uno, más allá de la historia.

 

godka cirka frame

Sobre la segunda parte de la pregunta, las grandes diferencias entre las dos formas de trabajar, pues te diría que ya no hay tantas, pero yo sigo trabajando sin presupuestos y de un modo bastante precario, así que quizás a otros niveles sí las hay. De lo que no tengo duda es de que hoy en día el mundo del cortometraje está muy profesionalizado en los dos sitios y encuentras muy buenos técnicos tanto en España como en EEUU. Buena parte de la culpa en este sentido la tienen las escuelas de cine. Cortometrajes salidos de la ESCAC, por ejemplo, no tienen nada que envidiar a trabajos hechos en cualquiera de las “top film schools” de Los Ángeles ya sea AFI, USC, UCLA… por compararte dos modelos que se basan más en las estructuras clásicas y de género. Lo que sí que he notado es que a veces aquí la actitud es diferente, parece ser que la envidia es menor o que cierta mezquindad o infantilismo no predominan tanto. El americano tiene muy claro que si tú ganas él también gana, así que verás a muy poca gente del equipo ponerte palos en las ruedas o meando en círculos para marcar su territorio, algo que por desgracia sí he vivido en algunas ocasiones en España. Luego además está el talento, en ciudades como Nueva York o LA con mucho movimiento, pues decirte que hay muchísima gente extraordinaria, así que a veces es más fácil encontrar lo que buscas específicamente para un proyecto, aunque en otras siga siendo un reto encontrar a actores que no se les note que “actuan”. En ocasiones son muy “peliculeros”, lo llevan dentro y es algo cultural, creo.

 2.      ¿Qué es el cine indy y cómo se vive en EEUU? Aquí en España hay una concepción de que Low Cost o indy significa malo, aburrido, lento y deficitario.

Sí, el cine Indy está cada vez más generalizado en EEUU pero no es algo nuevo. La verdad es que siempre ha habido un cine independiente y lo interesante es que era algo más propio de Europa que de USA. Desde el momento en que en en el viejo continente se relacionó el cine con el arte y en Estados Unidos se estableció como un negocio basado en el Star System hace ya un siglo pues el debate entre entretenimiento y expresión artística ha estado ahí y claro, los que utilizan todos esos calificativos que me dices pues te están dejando muy claro quienes perdieron la batalla y por qué Estados Unidos ocupa el lugar que ocupa en el cine.

Aquí el cine independiente, y estoy hablando sobre todo de Nueva York y desde la perspectiva del creador, se vive seguramente de una manera muy parecida a como la vivían los hijos del Neorrealismo, los cinéfilos de la Nouvelle Vague y toda la generación que marcó esta ciudad durante los setenta con gente como Cassavetes a la cabeza. Más allá del entorno artístico, crítico y vanguardista con los Warhol, Mekas, Brakhage o Akerman, sí que creo que todos tenían en común las ganas y el deseo de hacer cine “no-matter-what”. Muchos reflexionarían sobre el cómo y el qué, dado que el estatus artístico del cine independiente en muchas ocasiones presupone un posicionamiento casi político en el contenido y el tratamiento, pero la intención de expresarse, y normalmente de expresar una historia, ese deseo y energía por llevarla a cabo, yo creo que se sobreponía al inmovilismo, y eso no ha cambiado. En mi opinión hoy en día sucede lo mismo… el deseo por hacer cine contra la posición de quedarse parado de brazos cruzados es el que lleva a las corrientes independientes neoyorkinas a buscar las vías que las hagan posibles y reinventarse. Aparecen pues nuevos movimientos que podrían incluso considerarse snobs o hipsters, incluso muchos de ellos herederos del romanticismo del cine de autor, pero que por lo menos mantienen vivo el espíritu de hacerlo de forma independiente. Luego esto hay que relativizarlo sin olvidar que este país lo que mejor sabe hacer es vender y venderse -y de ahí el éxito del cine independiente en taquilla- así que ponen al servicio de esta etiqueta ciertos mecanismos muy poderosos para mercantilizar las cosas.

Alex Lora cine independiente

Por independiente se pasa a entender pues todo aquello que no se produce bajo la maquinaria Hollywoodiense y entonces vemos películas supuestamente lowcost de 2, 4 o 6 millones de dólares participando en “Sundance” o “South by SouthWest” con el sello “indy” a punto para el consumidor y en busca de una distribuidora top. Y dejando de lado el asunto de la distribución –el verdadero cuello de botella y otra batalla perdida- con esto entramos en otro terreno que se aleja del artista: el del espectador. Entonces cuando escucho que hay gente en nuestro país que opina que el cine lowcost es malo, aburrido lento o deficitario, por nombrar los adjetivos que mencionas en la pregunta, lo que me pregunto yo es si no será en verdad que tenemos una audiencia que no está preparada para ver según que cosas, quizás por falta de educación o… por el motivo que sea. No hay que olvidar que, sin tener en cuenta los otros 8 millones de ‘perdidos’ que quizás algún día puedan hacer algo por cambiar el país, lo que sí tenemos son 11 millones de tíos… orgullosamente inconscientes, por decirlo de un modo elegante, que han dado una mayoría a unos políticos que se están cargando el cine y la cultura en general –entre otras cosas más importantes. Luego nos quejamos y criticamos sin demasiados fundamentos sin pensar que hacer una película hoy en día es casi un acto de vida. Gente como Bollero, por ejemplo, debería dejar de escribir bobadas, o mejor aún intentar hacer critica a través de la propia producción de servicios artísticos, audiovisuales o culturales, para intentar encontrar un equilibrio entre la voz destructiva y el objeto -de intención positiva-, pues el esfuerzo entre la realización del uno y el otro son demasiado asimétricos. Y no estoy diciendo que todo vale, pero lo que sí que creo es que todo cuesta mucho, y más cuando no hay dinero. Así que bueno, esto es sólo un ejemplo de algo que forma parte de lo típicamente español y que en Estados Unidos no lo entienden porque es una actitud que no existe. Alguien dijo una vez que España era el país más podereso del mundo porque llevaba toda su historia intentando destruirse a sí mismo y todavía no lo había conseguido, pues bien, ahora parece que estamos muy cerca. Quizás una vez que se acabe con el país también se puedan tirar abajo todas esas reprobaciones que se le hacen a nuestro cine.

3.      Tus dos últimos trabajos han sido cortometrajes que están en la línea entre la ficción y el documental: Odyseus’ Gambit y Godka Cirka. En España hay mucha afición a este tipo de género. ¿Cómo trabajáis el guión? ¿Tenéis un guión cerrado o vais elaborando un guión sobre la marcha?

Sí, hay toda una corriente de documental de creación que me parece muy respetable y que concuerda con lo que hablábamos en la pregunta anterior. No es un caso aislado, la UPF (Universitat Pompeu Fabra) trabaja muy bien este tipo de productos tan interesantes y el éxito de Neus Ballús con La Plaga creo que lo ratifica, pero la tradición viene de lejos.

Odysseus gambit frame

A mí sobre todo me interesa porque es un marco que te permite probar diferentes cosas, trabajar con el lenguaje, muy abierto para poner en práctica la creatividad narrativa, tomar riesgos, y para el que además realmente no necesitas contar con mucho presupuesto. Luego el proceso de creación es muy diferente y desde mi punto de vista demasiado atractivo. Por ejemplo, cuando pensamos en ficción parece que el camino hacia la representación va desde dentro hacia fuera. Parte del individuo, del yo, del ego o como quieras llamarlo, y se recrean todos los elemetos para hacer que esa idea o concepto sea algo real y posible. Visto así en frío y comparándolo con el documental me parece un poroceso incluso egoista, aunque estoy frivolizando. En el documental en cambio, puedes presuponer cosas en el guión basadas en tu investigación, pero el proceso es totalmente opuesto, va en dirección contraria, de afuera a dentro, del universo hacia a tus ojos; es ese mundo el que te encuentra a ti y es por eso que tienes que estar realmente abierto y ser perceptivo; la narrativa es mucho más potencial y te empapas de una manera muy diferente, pero también tienes que centrarte, si no al final esto es como El jardín de senderos que se bifurcan, y no los puedes caminar todos, aunque bueno, quizás Borges diría que sí. El encuentro entre estas dos formas de enfrentarse al audiovisual es algo que me seduce y que quiero seguir explorando. Sobre todo poque una buena parte del proceso de escritura se da también en la sala de montaje, lugar en el que me siento muy cómodo -si la butaca es buena-.

4.      ¿Qué es y cómo se realiza la preproducción en una película indy? Es decir, ¿qué hay que tener preparado a la hora de rodar si queremos tener éxito?

Bueno, no podría darte una lista de lo que necesitas para hacer una película indy, en verdad depende del proyecto y… luego la idea de éxito en lo que hacemos es algo que me provoca un poquito de nausea. Quizás si pensáramos en fracasar estrepitosamente en cada uno de los proyectos que realizamos tomaríamos más riesgos y haríamos más cosas, con menos presiones, y el resultado serían obras mucho más honestas y cercanas a lo que sentimos. Lo que creo que sí se necesita es sentido común, capacidad de análisis y de síntesis, y darle a todo mucha coherencia. Si estamos hablando de algo indy presuponemos que habrá muy poco presupuesto, así que vamos a tener que renunciar a algunas cosas y adecuar otras. Luego pues tener claro el concepto, haberlo trabajado e intentar abordarlo desde un punto de vista en el que creas ciegamente, rodearte de gente que te inspire, confiar, dar, hacer las cosas con amor y no tener miedo a probar y probar mucho, sobre todo en la fase de preparación, porque para mí cada historia es una búsqueda y si no hay búsqueda pues no me interesa.

 5.      El sueño de muchos cortometrajistas está en llegar a festivales como Sundance. Pero muchos sólo acaban presentándolo en el concurso de su pueblo. ¿Puedes explicarnos brevemente cómo conseguir mover un cortometraje con éxito?

Hoy en día a través de las plataformas de distribución on-line es mucho más sencillo y barato, incluso con el sistema de DCPs, que te las puedes hacer en casa, dejando atrás esos años donde había que enviar las copias físicas en 35mm que costaban una locura. La verdad es que no hay mucho secreto y tener algo de dinero ayuda, dado que además de los gastos de envío muchos festivales te piden una tasa por la inscripción, sobre todo en países anglosajones. En muchos casos recomiendo contactar directamente a estos festivales para pedirles que te hagan un descuento o te ‘perdonen’ la tasa. De hecho va bien contactar con todos los festivales que puedas para que te vayan conociendo, sobre todo si produces un corto cada año, agregarte a sus redes sociales y mantener un contacto y seguimiento es algo que les gusta. Lo malo es que todo esto requiere una cantidad de trabajo y mimo inimaginable. En algunos festivales tienen suficiente con el link de la película y en otros te piden un montón de materiales y copias en formatos obsoletos. Prepararlo todo cuesta, así que a veces es muy recomendable contar con la ayuda de un distribuidor. Hay muchos y yo estoy especialmente contento con Mailuki y Marvin&Wayne. Aunque me quitan muchísimo trabajo de encima y me aportan contactos y diferentes especias, yo también sigo enviando a muchos sitios por mi cuenta. Otra cosa que recomiendo es hacer una estrategia de distribución y dedicar la mitad de un curso a enviar tu corto a los festivales más importantes, en función de la fecha en que lo hayas acabado: Berlín, Cannes, Venezia, Telluride, Sundance, Clermont-Ferrand, South by Southwest, Palm Springs y muchos otros… Si entras en alguno de este tipo pues habrá festivales que te contacten y le den más recorrido y vida a tu corto. Luego está bien promocionarse, tú y tu trabajo, así que ve a todos los festivales que puedas porque vas a conocer a programadores que te van a ayudar a saltarte el filtro, lo no quiere decir que te lo seleccionen, pero quizás lo meten en la fase final donde no sólo lo va a ver un becario, si no la gente que lleva la línea editorial del festival. Por poner un ejemplo, este año en Sundance se presentaron unos 8200 cortos y acabaron seleccionando 66, pues si conoces a la gente que lo maneja en persona quizás te puedan ayudar a que tu trabajo esté entre los 500 que más les gustan o más interés despiertan, a no haber caído en primera ronda y tener más posibilidades básicamente. Luego además influyen otros temas como la duración del corto, el tema e incluso ciertas políticas. Si echas un ojo a los cortos que selecciona cada festival verás que hay una línea editorial muy clara y se potencian y priman según qué temas y tipos de trabajo respecto a otros. En Berlín, por ejemplo, también ayuda haber hecho un proyecto con gente que haya participado en el Talent Campus, y en Sundance también premian el hecho de que seas alumno. A todos los festivales les gusta un poco actuar como mecenas, dar continuidad y promocionar el talento que han descubierto y seleccionado.

 6.      En Brauni Studio somos fanáticos de la tecnología. ¿Puedes decirnos que material de  rodaje utilizas y cuál crees que es el imprescindible en tu equipo?

Pues también depende del proyecto, pero me suelen acompañar unas lentes nikkor de los 70, muy viejas, manuales y con muchas imperfecciones, que intento adaptar a los diferentes soportes de grabación siempre que puedo y sobre todo siempre que me veo obligado a trabajar sin dinero. Sobre cuerpos de cámara pues, en mi caso, como tengo sólo un brazo, tengo que confesar que me ayuda bastante el que incorporen una pantalla desplegable que pueda girar, ya que si no, manejar la cámara y el foco con una mano se me hace más difícil. La opción de ponerle un pequeño monitor también está, pero te hace la cámara más pesada. También depende de lo que pueda conseguir. Así en plan gratis en el pasado grabé mucho con una Sony-z1 con adaptador redrock de lentes, luego con una dslr, la vieja panasonic gh1 hackeada, luego, de vez en cuando me dejaban un Canon 5D mkII, una mkIII, y ahora estuve probando la blackmagic pocket de un amigo… pero bueno, al final la cámara es una herramienta, lo importante es la mirada que hay detrás.

Alex lora Solomon camera

 7.      ¿Nos puedes hablar sobre tus siguientes proyectos?

Pues estoy intentando levantar un largo y, como soy un francotirador inexperto, pues me da que en vez de una bala necesito todo un cargador. Dicho de otro modo, estoy con diferentes guiones al mismo tiempo. “Atopia” es una historia sobre adopción ilegal que sucede entre Barcelona, París y Bucharest y que está en manos de Inicia Films; “Viva Santiago” es una historia sobre la búsqueda de un tesoro y el regreso a los orígenes para ser rodado entre Nueva York y Goa que lo estoy intentando levantar con una productora india con sede en Philadelphia; luego he compartido una historia de ciencia ficción en Marte con mi amigo Martín Rosete “Beyond the Red Shore” para la cual está buscando financiación y que me haría mucha ilusión codirigirla con él; también estoy con el guión de un historia bastante barata, para rodar aquí en Nueva York sobre relatividad, huracanes, crisis e inmigración con el título provisional “The Full Bright and the Empty Dark”, y bueno, otros proyectos como el guión de un amigo que quiere que lo dirija yo y para el que está buscando productor, y por último también está la posibilidad de volver a Somalia para hacer la versión larga de nuestro último corto. Pero todo esto son posibilidades y proyectos que seguramente la mayoría quedarán en nada, pero hay que plantar cuantas más semillas mejor y ver si alguna florece. Lo único que se me ha concretado es un cortometraje que rodaré en junio y el montaje del primer largo de Carmen Vidal: “Tránsitos”, que editaré aquí en agosto o septiembre seguramente.

He estado preguntando a diferentes seguidores de BrauniStudio sobre cuáles son sus mayores problemas en el momento de rodar un cortometraje y darle salida. Las preguntas han sido varias pero las podríamos resumir en una serie de afirmaciones que nos gustaría que desmintieras, siempre desde tu punto de vista.

–          Nunca tengo buenos ideas y no tengo nada que contar

A mis alumnos les suelo pasar la escena de Adaptation de Spike Jones en la que el gurú casi fascista del guión Robert McKee se enfrenta a Nicholas Cage interpretando a Kauffmann, el verdadero guionista de la película. La escena no tiene desperdicio y manifiesta algo inevitable: cada segundo está pasando algo que merecería ser contado, o lo que es lo mismo, hay historias en todos sitios y aún sin poner a trabajar todos los sentidos es imposible escapar a ellas. Incluso para un cortometraje yo me inclinaría por tratar algo pequeño, casi insignificante, en lugar de una gran historia. Aquí la máxima de Van der Rohe de que “menos es más” me parece muy válida, o el lema que utilizó Bernback para vender el Beattle en Estados Unidos “Think small” también es muy útil. La línea entre lo ambicioso y lo pretencioso es muy delgada y todo se nos puede ir de madre, así que cualquier pequeño detalle o concepto da para mucho.

–          Tengo una buena idea pero no sé escribir guiones

No importa, cuanto menos sepas más queda por aprender y más interesante es el camino. Lee manuales de guión y busca a gente que se le dé bien escribir. Luego practica y no tengas miedo a equivocarte. Recuerda: fracasa, fracasa más, fracasa mejor…

–          No tengo una buena cámara para rodarlo, ni dinero para alquilar una

Seguramente tengas un teléfono móvil, seguramente si te pones a pensar conozcas a alguien que tiene acceso a una cámara, incluso puede que tus tíos todavían conserven una de esas video8 con una textura tan excepcional que te permitan crear algo paradojicamente novedoso por lo alejado que queda de las nuevas HD 4K de última generación extra luminosas y con lentes de diafragmas por debajo del 1.5f. Quizás tengas que cambiar la historia y no rodar lo que tenías en mente, pero haz del medio tu estética, incorpóralo de una nueva forma a la esencia de lo que querías contar y busca que tenga coherencia. El resto son excusas.

–          No tengo dinero para producirlo

El primer cortometraje que tuve en Sundance me costó lo que vale el billete de metro a Union Square para grabar durante un día a un jugador de ajedrez callejero. Chulerías aparte, encontrarás la historia que se adecue a tu economía o te pondrás las pilas para conseguir el diero necesario. Hoy en día puedes realizar un crowdfunding, buscar festivales que den premios de guión para la realización del proyecto como en Gijón, Medina del Campo y otros. Te puedes fijar en las productoras que hay detrás de los cortos que más te gustan o que aparentemente tienen mucho presupuesto y contactarlas para explicarles el tuyo o conseguir un pellizquito. Incluso te puedes registrar como empresario audiovisual para poder optar a las ayudas que ofrece el ICAA o el ICEC para desarrollar proyectos de corto. Pero repito, ¿en serio el dinero es un problema?

–          No tengo actores ni conozco ninguno.

Los actores son seres especiales, casi mágicos, si no eres uno de ellos no te preocupes en entenderlos, no lo vas a conseguir: son de ese tipo de criaturas generosas que están deseando, en mayúsculas, TRABAJAR. Así que no te cortes, visita escuelas de interpretación para proponerles proyectos, ve a ver obras de teatro y felicítales por su interpretación, intercambia contactos, ve a festivales de cortos y que te pasen teléfonos los otros directores, busca en foros… Si no eres un misántropo como yo ten por seguro que conocer a gente es algo mucho más interesante que hacer un corto… Por último, ¿te has planteado que quizás la mejor opción para según qué proyecto sea utilizar a no-actores? ¿Gente común como yo o tú mismo?

–          Tengo una idea y un guión. ¿Voy a una productora o lo hago por mi cuenta?

Pues depende, aunque las productoras no suelen estar muy interesadas en desarrollar cortometrajes. Pero a lo que iba, si es algo que vas a poder afrontar tú mismo, ¿para qué ir a una productora? Si crees que lo puedes gestionar solo pero que aún así la productora va a sumar en todos los aspectos y crees que no vas a perder control, pues adelante. Si necesitas ayuda y no te ves capaz, pues evidentemente contacta con productoras para ver si les interesa tu proyecto, y luego valora cuál de ellas se adecua más a lo que quieres hacer, y sobre todo que no te lo dejen dormido.

–          ¡Ya he rodado mi corto! ¿Y ahora qué?

Pues ahora a distribuirlo. Puedes echarle un ojo a una de las preguntas que he contestado anteriormente, pero además te dejo estos links:

www.filmfestivallife.com

www.withoutabox.com

www.reelport.com

www.shortfilmdepot.com

www.movibeta.com

www.uptofest.com

www.festhome.com

www.filmfestplatform.com

–          Quiero rentabilizar mi cortometraje, ¿cómo lo hago?

Pues no nos vamos a hacer ricos con esto, pero hay algunas formas de sacar algo para tu próximo proyecto. Si estás convencido de que el corto vale la pena haz un crowdfunding para su postproducción y distribución, y si va bien pues igual también estás amortizando algo del rodaje. Un amigo cuenta siempre en sus cortos con alguien más o menos conocido porque le va a dar visibilidad, pero bueno, ese no es mi estilo, aunque quizás a ti te sirva.

Por otro lado, la mayor parte de la amortización te va a entrar principalmete por premios en festivales, así que la distribución es básica.

Puedes intentar venderlo a televisiones también. Hay empresas de distribución que saben a qué puertas tienen que llamar para que esto suceda.

Plataformas de visionado on-line como “vimeo on demand” o “Filmin” también merecen ser sondeadas aunque probablemente va a ser un ingreso muy simbólico.

Lo último que se me ocurre es la existencia de las ayudas del Ministerio de Cultura para la amortización de cortometrajes acabados, donde si tienes suerte quizás consigas sacar algo. Para optar a estas últimas necesitas la participación de una productora o bien haberte dado de alta como empresario cinematográfico. Y bueno, seguro que hay más maneras pero ahora mismo no sé qué decirte. ¡Imaginación!

Hasta aquí la entrevista. ¡Muchas gracias por tu atención y mucha suerte con tus futuros proyectos!

Gracias a vosotros.

 

Las 10 mejores funciones de Magic Lantern para vídeo

Escrito por | Blog, Friday Tip | Sin Comentarios

La semana pasada no hubo friday tip porque estamos de mudanzas, pero hoy vamos a intentar compensarlo 🙂

Vamos a hablar sobre un firmware para cámaras Canon llamado Magic Lantern. Sobretodo queremos destacar 10 funciones imprescindibles aplicadas a vídeo. Para comenzar habría que decir que NO es un firmware oficial de Canon pero que para todos aquellos filmmakers es fundamental. Una vez instalado Magic Lantern nos añade en nuestra cámara una serie de opciones propias de una cámara de vídeo profesional. Podemos decir que gracias a Magic Lantern podemos convertir una cámara réflex de 600 euros en una cámara de 2000 euros. Aquí os dejo una lista de los más interesantes:

Logo Magic Lantern

1. Audio  Meters: Activando esta opción en Magic Lantern conseguimos tener en la pantalla un display de audio. Esto es muy importante para saber constantemente si entra audio o no entra audio en la cámara. Hay algunos micrófonos de gama baja que no llevan ningún indicador para mostrar si les queda batería. En estos casos esta opción es la única viable para saber si entra sonido en nuestra canon.

2. Audio Gain: Con esta opción controlamos la sensibilidad de micrófono. Normalmente nuestra cámara lo hace automáticamente y cabe decir que según las circunstancias a veces lo hace mal. Con estos controles regulamos manualmente la potencia del sonido que queremos que entre.

3. Input source: escogemos por donde queremos que entre el sonido. Podemos escoger micrófono externo, micrófono interno o ambos a la vez.

4. White Balance: podemos hacer balance de blancos fácilmente con esta opción de la cámara. Nos permite hacerlo manual, seleccionando nosotros mismos los grados Kelvin que necesitemos o hacerlo automático como las cámaras de video semiprofesionales.

5. Zebra: nos activa el patrón cebra que tenemos en todas las cámaras profesionales.Lo que hace esta opción es mostrarnos con unas rallas diagonales aquellas partes de nuestra imagen que están sobreexpuestas y quemadas.

6. Cropmarks: con esta opción veremos un display que pondrá dos barras negras, una arriba y otra debajo de la imagen. Esto nos permitirá grabar en formato 1.85:1 que es más cinematográfico que el 16:9.

7. HDR Video: grabar un vídeo en HDR es más fácil que nunca con esta opción. El vídeo no sale procesado de la cámara, hay que procesarlo luego con el programa de edición que usemos. Si nuestro objetivo es hacer solamente fotos podremos hacerlo ya que también encontraremos la opción.

8. Movie Restart: si rodáis eventos con cámara DSLR es una opción muy importante ya que como sabréis a los 12 minutos de grabación la cámara se detiene porque no puede crear archivos más grandes de 4 Gb. Con esta opción la cámara automáticamente reinicia la grabación. He llegado a utilizar dos cámaras a la vez en eventos pequeños gracias a la existencia de esta opción.

9. Time indicator: Nos indica un tiempo estimado de grabación hasta que la cámara se detenga por haber creado los archivos de 4Gb que comentaba anteriormente.

10. Intervalometer: Permite que la cámara dispare continuamente fotografías según como le indiquemos. Es la opción que se usa para realizar timelapses.

Espero que el post os sea de utilidad y recordad que con Magic Lantern multiplicaréis las prestaciones de vuestra cámara. A continuación os dejo una imagen con todas las opciones que tiene, por si necesitáis alguna que no he mencionado.

Funciones Magic Lantern

Funciones Magic Lantern

 

Los 5 objetivos Canon para vídeo en DSLR

Escrito por | Blog, Friday Tip | Un Comentario

Cuando hablamos de vídeo DSLR uno de los apartados que necesitamos prestar más atención es utilizar cada objetivo para cada plano específico. Por eso no es lo mismo los objetivos de bodas, documentales, deportes o anuncios. Aquí os dejo una lista de objetivos que os ayudarán para todo aquello que tengáis que rodar. Aquí hablo de objetivos Canon, podéis encontrar opciones más económicas si miráis en otras marcas de objetivos como Tamron o Tokina. Más adelante haré un post sobre objetivos indy.

Canon 24-105mm f4L IS

Precio: 800€ aprox
Canon EF 24-105mm f/4.0 L IS USM – Disponible en Amazon

Este objetivo viene en algunos packs de Canon. Lo más guay de esta lente es la amplia distancia focal con estabilizador de imagen. Muchos objetivos con estabilización de canon son con distancias focales elevadas, normalmente a partir de 70mm. Con el este objetivo también conseguimos grandes angulares con la imagen estabilizada. Esto te permite usar el estabilizador en sitios pequeños que vibran bastante como un coche, un avión o todos aquellos planos que requieren movimiento con un angular. Si a este objetivo le añadimos un monopie o un steadycam el resultado de la imagen será perfecto. Estamos hablando de un objetivo todoterreno.

canon_24-105mm_f4ab

Canon 14mm f2.8 rectilinear

Precio: 2000€ aprox
Canon 14 / 2,8 L II USM – Disponible en Amazon

Esta lente es perfecta para Steadycam, Slider o una Grúa. Es un objetivo con una distancia focal corta y por lo tanto la imagen que proporciona es muy abierta. Así, lo que grabas con ella es una imagen que parece extremadamente grande. Esto permite amplificar la sensación de movimiento, al grabar con el steadycam andando, la sensación visual es más acelerada y parece que vayas corriendo. Lo que diferencia esta lente de otras del mismo estilo es que es una lente rectilinear por lo tanto la distorsión de la imagen es muy natural.

Canon 14mm f2.8 rectiliniar

Canon 135mm f2.0 L

Precio: 1200€ aprox
Canon EF 135 mm f/2,0 L USM – Disponible en Amazon

Este es un buen teleobjetivo que abre a f2.0. Esto nos permite obtener una gran variación en la profundidad de campo. Además tiene enfoque mínimo de 90 centímetros de distancia. Es pequeño y compacto cosa que lo hace muy manejable y apropiado para llevarlo en la mochila. Además el autofoco es muy preciso incluso en condiciones baja luminosidad.

Canon 135mm f2.0 L

Canon Extender 1.4X III

Precio: 400€ aprox
Canon Extender EF 1,4x III – Disponible en Amazon

Es una de las opciones lowcost que encontramos por el mercado y te ofrecerá más diversidad de objetivos aprovechando las que ya tienes. Su función es multiplicar la distancia del objetivo por 1.4, así un objetivo 135 se convertiría en un 189. En contraposición esto se consigue a cambio de perder un punto de luz del objetivo. Pero teniendo en cuenta que por poco precio se consigue multiplicar tu número de objetivos por 2, vale mucho la pena.

Nota: En la web de canon tenéis una lista de compatibilidades de lentes con este extendedor.

Canon Extender 1.4X II

 

Canon 100-400mm f4.5-5.6 L IS

Precio: 1500€ aprox
Canon EF 100-400MM F/4.5-5.6L IS USM – Disponible en Amazon

Este objetivo es un teleobjetivo zoom que gracias a la gran distancia focal que posee podemos pasar de planos detalle a planos medios fácilmente. Lo más cómodo de este objetivo es el zoom, que no se basa en girar una anilla del objetivo sino que funciona por deslizamiento del propio objetivo. Eso le otorga un manejo rápido ya que podemos hacer zoom y enfocar con una sola mano. Esta característica lo convierte en uno de los objetivos más populares para eventos deportivos.

Canon 100-400mm f4.5-5.6 L IS

Para comprar un objetivo lo primero que tenéis que saber es que uso le vais a dar, una vez lo sepáis lo más importante es que intentéis probarlos. Recordar los objetivos son la mejor inversión para vuestro equipo, ya que no envejecen tan rápido como las cámaras.

Música libre para tus cortometrajes y vídeos

Escrito por | Blog, Friday Tip | 9 Comentarios

¿Dónde puedo conseguir música para mis cortometrajes y vídeos? Esta quizá es una de las grandes preguntas que nos hacemos aquellos que nos dedicamos a hacer cortometrajes y vídeos.  Pues bien, a continuación os traigo una recopilación de algunas webs en las que encontraremos músicas que podremos descargar para nuestros vídeos.

También podréis encontrar efectos de sonido que os serán de utilidad para vuestros proyectos.

royalty free music

¿Qué es la música libre de derechos (royalty free music) y por qué usarla? Dire Straits mola más y da más “rollito” a mí escena

La música libre de derechos es aquella música que es de dominio público o está protegida por una licencia de libre distribución…  (Wikipedia: Música libre).

A efectos prácticos estamos hablando de un tipo de música que puede ser gratis o de pago pero que al poseerla puedes distribuirla con fines comerciales. Cualquier cortometraje o vídeo promocional se considera que tiene uso comercial por muy pequeña que sea su difusión. Es importante saber que hay varias licencias en cada canción, por esa razón recomiendo mirar bien las especificaciones de cada canción.

Hay algunas canciones bajo licencia Creative Commons, que es un tipo de licencia libre pero con una serie de condiciones. Algunos artistas tan solo piden que se les nombre en los creditos si usas su canción, así que no olvidéis hacerlo, que no cuesta nada.

En caso de que quieras poner una canción de Dire Straits o de cualquier otro grupo conocido deberás pedirle permiso a la discográfica que tenga los derechos de difusión, quienes  te van a pedir una compensación económica que superará el coste de tu cortometraje. Así que si no conoces a Mark Knopfler o no estás trabajando en una gran producción, deberás olvidarte de poner esa música.

Pero he visto muchos cortometrajes en el festival de mi pueblo que usan canciones conocidas…

Es cierto que este tipo de prácticas se llevan a cabo en concursos o festivales pequeños. Pero eso no significa que sea legal hacerlo. En los festivales importantes son estrictos con este tipo de actividades y suelen pedir las licencias de las canciones. Incluso si haces un cortometraje para youtube necesitas que sean libres de derechos para poder monetizar el vídeo. En algunos países con una legislación menos permisiva como Alemania te pueden llegar a bloquear el cortometraje. Es una pena perder una fuente de ingresos como youtube por no escoger la música adecuada.

La música libre es peor que la comercial…

Esta es una de las falacias más repetidas por aquellos que desconocen la música libre. De hecho podemos encontrar canciones que sean más útiles para nuestro vídeo o cortometraje que cualquier música comercial. El hecho es que hay mucha cantidad de música libre de derechos y hay que saber buscarla.

A continuación tenéis una serie de páginas web donde podéis encontrar música libre de derechos:

http://www.youtube.com    (apartado “Herramientas de creación”)

http://www.mobygratis.com/film-music.html

http://incompetech.com/

http://www.hollywoodedge.com/Default.aspx

http://www.partnersinrhyme.com/

http://www.jamendo.com

http://www.freemusicprojects.com/ (De Pago)

http://www.prosoundeffects.com/  (De Pago)

http://www.shockwave-sound.com/ (De Pago)

http://www.pond5.com/music/1/*.html?gclid=COiFlM721aUCFSll7Aode3XalA (De Pago)

http://www.soundsnap.com/  (De Pago)

http://www.stockmusicsite.com/ (De Pago)

http://www.musicloops.com/ (De Pago)

Espero que este post haya sido de utilidad, ¡a poner música a vuestros vídeos!

Los 5 trucos del director de fotografía en vídeos indy

Escrito por | Blog, Friday Tip | Sin Comentarios

Los 5 trucos del director de fotografía en vídeos indy

En este post queremos hablar de los 5 trucos del director de fotografía en videos indy. Si no disponéis de medios para la iluminación o ni siquiera de director de fotografía estos consejos harán que vuestros planos sean más artísticos.

1. Jugar con la profundidad de campo

Este es uno de los elementos básicos para obtener un look profesional. Lo más frecuente para obtener un look profesional es desenfocar un poco el fondo dejando sólo enfocado a nuestro actor. Este truco es el más extendido y ha hecho que algunos realizadores estén optando por hacer lo contrario, dejar enfocado todo el cuadro. No obstante, desenfocar los fondos hace que el look de nuestro film sea más profesional.

Fondo desenfocado

Fondo desenfocado

Fondo enfocado

Fondo enfocado

La gran pregunta es: ¿cómo de desenfocado hay que dejar el fondo? Bueno, la verdad que eso va al gusto del director de fotografía y del realizador, pero creo que es importante decir que más desenfocado no significa mejor. Por ejemplo, si hablamos de Néstor Almendros, primer director de fotografía español en ganar un Oscar, a él le gustaba buscar en sus planos la realidad que veía con sus ojos. Así que desenfocaba sutilmente los fondos plasmando lo que él observaba (hay que decir que era un poco miope). Esa sutileza en el desenfoque y ese trabajo realista le otorgaron el Oscar en 1978 por Días de cielo.

2. Poner algo siempre en primer plano

Este truco es uno muy sencillo y muy tonto pero puede hacer cambiar la belleza de nuestro plano además de darle más profundidad. La idea es tan sencilla como encuadrar un objeto en primer plano que estará desenfocado mientras tenemos a nuestro personaje enfocado. Así en nuestro encuadre final tendremos tres planos: Objeto (desenfocado) ——- Personaje (enfocado)——- Fondo (desenfocado).

Este truco recomiendo usarlo siempre que podáis ya que ganaréis calidad en vuestra película.

Frame sin elemento frontal

Frame sin elemento frontal

Frame con elemento frontal

Frame con elemento frontal

 

 

3. Utilizar luces en el fondo

Este es otro truco sencillo y muy efectivo. Con poner luces en el fondo no me refiero a un foco para iluminar al sujeto, sino luces decorativas. Pequeñas fuentes de luz como lámparas pequeñas, velas o luces de navidad son de gran utilidad. Al tener el fondo desenfocado estas luces quedan borrosas y le dan un toque artístico al plano. No os preocupéis por la coherencia del plano, es decir, si estáis rodando un interior de día y tenéis que encender una luz el espectador ara caso omiso a esa incoherencia y agradecerá la estética de plano. La estética lo es todo en cine.

Frame sin luces de fondo

Frame sin luces de fondo

Frame con luces de fondo

Frame con luces de fondo

 

4. La hora mágica

Amanecer y atardecer son los mejores momentos de grabación. Si hay que rodar lo ideal es grabar los exteriores bien pronto ya que la luz es más suave y más estética. Sobre todo en verano es necesario por la luz fuerte que hay el resto del día. Por eso como consejo recomiendo grabar los exteriores a primera hora de la mañana y a última hora de la tarde aprovechando así el resto del día para rodar interiores. En algunos cortometrajes que transcurren completamente en exteriores es imposible ya que el día entero estaremos en la calle. En ese caso recomiendo realizar en la medida de lo posible los planos generales en la hora mágica, ya que con pocos medios, los planos generales son los que menos podemos controlar.

5. Utilizar reflectores

Los reflectores son un elemento muy necesario en nuestros rodajes. El uso del reflector da una calidad muy profesional al plano ya que puede desde darnos más luz a un personaje hasta suavizarnos una sombra contundente. En caso de que no tengáis un reflector aconsejo haceros con uno o a muy malas podéis ir a vuestra ferretería de confianza y comprar un tozo de porexpan, que os hará una función similar.

reflectores para dslr

Reflectores para DSLR

Cómo mejorar la calidad de imagen en vídeo en DSLR

Escrito por | Blog | Sin Comentarios

Muchos os preguntaréis cómo poder sacar la mejor imagen en vuestra DSLR. Lo cierto que grabar con las opciones más cercanas al a máxima calidad que ofrece vuestra cámara hará que tengáis unos trabajos más profesionales. La cuestión es que por diferentes motivos pocas veces podréis grabar con estas características ya que no siempre las condiciones de luz os lo permitirán. Aquí viene la pregunta ¿cuándo graba mi cámara a la máxima calidad?

Con estos 5 consejos podéis pasar de una imagen pobre a una imagen potente y de calidad. Las cámaras DSLR graban en máxima calidad cuando:

–          Formato: Puede parecer obvio pero a veces lo pasamos por alto. Para que la cámara tenga la máxima calidad hay que grabar en el mayor formato posible. Es decir en FullHD 1920x1080p. Si posteriormente esta grabación se reduce a 720p la calidad aumenta considerablemente. Al reducir una imagen ganamos calidad. Por esa razón hoy en día muchos cortometrajistas están rodando en 4K para posteriormente exhibir su obra en FullHD y ganar calidad. Siempre hay que grabar en la máxima resolución posible.

–          ISO: La sensibilidad de la cámara siempre debe ser la menor posible. Actualmente la menos ISO en cámaras DSLR es 100 ISO. Siempre que podáis bajar la ISO al mínimo, eso os dará la oportunidad de tener una imagen con menos ruido.

–          Apertura del objetivo: Este es un tema que muchos amateurs e incluso profesionales desconocen. Todos los objetivos tienen una apertura óptima, que es la que contiene menor cantidad de aberraciones y distorsiones. Normalmente, al cerrar dos puntos la apertura máxima del objetivo obtenemos la imagen más fiel a la realidad que puede brindarnos ese objetivo. Si la apertura máxima es 2.8, la calidad más fiel a la realidad la encontraremos en 5.6.

–          Velocidad de obturación: La velocidad de obturación en el momento de la grabación de vídeo es importante para que el motion blur (desenfoque de movimiento) de tu imagen quede cinematográfico. Si tenemos una obturación baja la imagen quedará borrosa en las partes que haya movimiento, en cambio, si es muy alta puede dar la sensación de que el vídeo es poco fluido. Por eso la norma dice que para obtener un movimiento óptimo en cine hay que usar la fórmula 1/(fpsx2). Así, si rodamos a 25 fps la velocidad de obturación debe ser 1/50.

–          Estabilización en el rodaje: Hay que rodar con elementos para estabilizar la imagen. Por ejemplo podemos usar trípode, monopie, steadycam, slider, snorricam, etc. Esto permitirá que la imagen sea mucho más nítida y tenga menos desenfoque de movimiento por temblores innecesarios de la cámara causados por el pulso.

Cómo podéis ver sacar el máximo partido a vuestra DSLR es un tema que no siempre será fácil ya que conseguir unas condiciones de luz que permitan estas características es casi imposible a no ser que estéis en un estudio con focos. Por eso, lo recomendable es acercarse a estas características lo máximo posible cada vez que rodemos un plano. Hay que decir que estas características se basan en la teoría para sacar el máximo rendimiento a la imagen, pero cada uno puede saltárselas por diferentes motivos artísticos, como por ejemplo conseguir más profundidad de campo.

Un ejemplo de fotograma siguiendo estos parámetros (izquierda) y otro de imagen sin seguirlo (derecha)

buena y mala calidad

Los 10 accesorios low cost indispensables para DSLR filmmakers

Escrito por | Blog | 6 Comentarios

Si queréis rodar videos con vuestra DSLR con calidad profesional hay una serie de complementos indispensables que harán que vuestros vídeos pasen de parecer amateurs a profesionales. Tanto si rodáis cortometrajes, bodas o eventos son elementos que os proporcionarán aquél toque diferente que dejará alucinados a vuestros espectadores.

DSLR Audio

    1.      Rode videomic

Precio: 90€ aprox
Rode VideoMic Rycote – Disponible en Amazon

El Rode videomic es uno de los micros de cañon más económicos del mercado preparado para DSLR. Viene preparado para montarlo en la zapata de la cámara y tiene una entrada de minijack. El micrófono tiene un alcance de respuesta de 20hz-40hz con un filtro high pass de 80Hz que permitirá reducir el ruido externo, como por ejemplo el del tráfico o el del aire acondicionado.

rode

Dentro del compartimento de la batería existe la opción de atenuación de nivel, que se puede seleccionar a -10db o -20db. Esta opción nos permite la grabación de sonidos altos como la que encontramos en conciertos o deportes de motor.

Sin duda este es el primer complemento que recomiendo para la grabación con DSLR, ya que el audio interno de las cámaras es muy pobre.

    2.      Rode micro boompole

Precio: 30€ aprox
RODE MICRO BOOMPOLE – Disponible en Amazon

Es una percha para el micrófono Rode videomic de las más económicas que hay. Su dimensión máxima es de 2 metros. Si el videomic os permite rodar sonido directo a la cámara con buena calidad imaginaros si además podéis poner el micrófono cerca del sujeto.

rode micro boompole

No obstante decir que si vais a darle un uso intensivo a la percha hay una opción mejor que el Rode micro boompole que es el Rode boompole que cuesta unos 89 euros. El Rode boompole es más robusto y más largo (3 metros) que el Rode micro boompole.

    3.      Amplificador de auriculares

Precio: 25€ aprox
FiiO Fujiyama E06 – Disponible en Amazon

El amplificador de auriculares es un complemento muy sencillo y económico pero a la vez muy útil. Este pequeño aparato sirve para poder monotorizar el audio que grabamos, es decir, para escuchar el audio que entra en la cámara mientras grabamos. Yo en mi caso tengo el Fiio E5, que se convirtió en la solución para conectar auriculares a mi cámara DSLR. Más adelante haremos un videotutorial explicando cómo hacerlo. Estos aparatos normalmente tienen una batería y cargan por puerto USB. Son ligeros, pequeños y muy cómodos de utilizar.

fiio e5

    4.      Auriculares

 Precio: desde 3€
Sennheiser HD 201 – Disponible en Amazon

Aquí podéis usar cualquier auricular para escuchar el audio que graba la cámara. No obstante lo mejor es usar unos auriculares que sean potentes y bastante aislantes. Es decir, en el momento de elegir unos cascos recomiendo ir a una tienda especializada en sonido y preguntar por auriculares cerrados o semicerrados, aunque hay que decir que el precio se dispara. Para salir del paso podéis coger unos auriculares baratos y así al menos ya tendréis una referencia para saber si el audio que entra por la cámara está en condiciones.

senheiser auriculares

 

DSLR Estabilización

    5.      Trípode

Precio: desde 30€
Cullmann PRIMAX 190 – Disponible en Amazon

Los trípodes económicos son aparatos pensados para fotografía y no para vídeo. Al coger un trípode económico no pretendas hacer grandes movimientos de cámara ya que sus rótulas de plástico no permiten un movimiento suave y continuo. Si quisiéramos un trípode para hacer panorámicas habría que pensar en gastar 200€ o más.

cullman primax

Lo que nos permitirán estos trípodes económicos es sujetar la cámara estáticamente. Esto nos otorgará la capacidad de hacer planos estabilizados y más profesionales. Esta clase de planos estáticos y profesionales os darán la capacidad de hacer efectos muy molones cómo time lapse, time lapse de movimiento, tilt shift, HDR, etc. Ademas, también es un complemento indispensable si hacéis efectos especiales, ya que os evitará tener que hacer tracking para insertar vuestros gráficos.

En el momento de buscar un trípode recomiendo no cogerse el más barato que encontréis y tengáis en cuenta diferentes aspectos como:

–          Estatura mínima

–          Estatura máxima

–          Robustez

Sobre todo la robustez del trípode es importante ya que los que son más económicos apenas soportan el peso de la cámara y acaba rompiendo la rótula de éste, aparte de que en exteriores pueden hacer temblar la cámara sólo con que sople un poco de viento. Yo particularmente utilizo el Cullman Primax 190 que ronda los 50 euros, que es un trípode que tiene una buena relación calidad-precio.

    6.      Monopie

Precio: desde 30€
Benro A38F Aluminium Monopod – Disponible en Amazon

Seguramente este sea uno de los complementos de esta lista que más vayáis a usar. El monopie permite realizar una gran cantidad de planos en poco tiempo y muy bien estabilizados. Es un elemento muy ágil que os permitirá trabajar rápido y con calidad.

benro monopod

El monopie es más aconsejable para realizar panorámicas que un trípode de gama baja-media ya que rota sobre su propio eje y no sobre ninguna rótula.

En caso de que queráis ponerle una cabeza para poder tener una rótula en el trípode también es posible, lo que deberíais comprarla a parte.

Para seleccionar vuestro monopie tenéis que usar los mismos criterios que con el trípode. Un monopie que tiene buena relación calidad-precio es el Benro A35FBR1 que cuesta sobre los 50€.

 

    7.      Steadycam

Precio: desde 90€
Flycam NANO Steadycam – Disponible en Amazon
En el mercado tenéis multitud de steadycams económicas para vuestra dslr. La más común es la flycam nano que cuesta alrededor de 90 euros y está pensada para cámaras DSLR.

Flycam-DSLR-nano-9278

Una Steadycam como la flycam nano os permitirá hacer vuestros planos artísticos y vuestros travellings a los actores que queráis grabar. La steadycam es un aparato que básicamente recomiendo para ficción ya que para eventos sólo es recomendable si lleváis dos cámaras. Esto se debe a qué es un aparato el cuál se tarda un rato en equilibrar para que la estabilización sea adecuada. Muchos conocidos del sector se me han quejado por el poco resultado que les ha dado este tipo de producto, y en todo ellos, después de una breve investigación me he dado cuenta que no sabían la forma adecuada de equilibrarla, y por lo tanto el tiempo que perdían no compensaba.

El motivo por el cual recomiendo usarla para ficción es que si ponemos efectos especiales en nuestros vídeos, sólo hay dos opciones para que la imagen y el efecto estén alineados: o grabamos con trípode, o trackeamos la toma con algún programa. En el segundo caso, cuanto más estabilizada esté la imagen, más fácil será hacer el tracking, ya que el programa no tendrá tantos problemas para seguir los puntos que le indiquemos. Pronto haremos un tutorial para enseñar a hacer un tracking de una escena con Blender.

Luego tiene otra pega y es que pesa lo suficiente como para no poder usarla mucho rato seguido. El brazo sufre bastante, y por eso hay que usarla para los tres o cuatro planos en que la necesitemos. Esos tres o cuatro planos marcarán la diferencia entre nuestro vídeo y el vídeo de otra persona.

    8.      Slider

Precio: desde 120€
Koolertron® – Disponible en Amazon
 slider

De la misma forma que la steadycam, el slider es un elemento para conseguir un efecto artístico en nuestros vídeos. Con el slider podremos hacer movimientos de cámara suaves y fluidos. Cada vez se usa más el slider en todo tipo de vídeos, cada vez se puede observar más es cortometrajes, vídeos de boda o vídeos corporativos.

Es un elemento que a diferencia de la steadycam se puede usar más rápidamente y los resultados son muy llamativos para los espectadores. En Amazon puedes encontrar sliders desde 120 euros.

 

 DSLR Iluminación

    9.      Antorcha Led

 Precio: desde 30€
Yongnuo YN160 – Disponible en Amazon

 

 antorcha led

Las antorchas led son un producto necesario para rodar en aquellos momentos en los que tenemos poca luz. Estás son muy utilizadas en los vídeos de eventos ya que en diferentes momentos tendremos poca luz, como en el caso del baile de los novios, y en caso de no usarla la imagen saldrá con mucho ruido.

En el caso de los cortometrajes también es muy útil para crear efectos dramáticos o para utilizarla como luz de relleno. Así por ejemplo podemos usar la antorcha para suavizar la luz de nuestro actor en caso de que tenga una luz muy fuerte.

    10.   Focos

Precio: desde 50€ (bombillas aparte)
TecTake Softbox – Disponible en Amazon

Tener un foco potente es la solución que os encontraréis a vuestros problemas de luz. En muchas ocasiones tendréis que grabar en sitios en los que la luz es baja y necesitaréis un extra de luz. Incluso en sitios en los que la luz no es tan baja la utilización de un foco os permitirá que vuestra DSLR grabe a menos ISO y por lo tanto mejor resolución. Recuerdo un rodaje en una tienda en el que a 800 ISO se veía bien en la cámara. El director de fotografía me comentó que encendiéramos un foco para poder poner la cámara a 400 ISO. Eso cambió completamente la calidad de grabación y las posibilidades posteriores de etalonaje. Para un buen retoque de color hace falta que la calidad de la cámara sea la mejor posible para que la imagen sufra lo menos posible.

foco

Hoy en día tenéis muchas opciones de focos a precios competitivos. Si buscáis una luz suave para realizar planos artísticos en vuestros cortometrajes disponéis de focos led. En cambio si necesitáis focos potentes para iluminar eventos o empresas para videos corporativos podéis usar focos de tungsteno.

Conclusión

Esperamos que este Top 10 accesorios low cost para DSLR os haya dado ideas para mejorar la calidad de vuestros vídeos. Tened en cuenta que cada persona tiene sus propias necesidades en los rodajes y este top ten puede cambiar para cada indyfilmmaker.